El blues malhumorado

Buenas tardes, amigos. Esta semana ya estamos de resaca de los premios Goya pero, a mi en particular, es algo que nunca me decepciona. No sé si quedarme con el momento en el que Dani Rovira se cachondea de la fotosensibilidad que sufre Almodóvar o cuando se monta en un tacón para defender los derechos de la mujer. En fin, será cosa de humoristas. En el mundo del cine, como bien señaló Ana Belén, a veces da la sensación de que si las mujeres no fuesen necesarias para interpretar el papel de mujer, tampoco tendrían cabida.

Me parece alucinante que haya gente que aun defiende el liberalismo de forma tan categórica y sobre todo con respecto a la cultura. Quizás no les interese que el pueblo lea, escuche o intuya la verdad de toda este entramado que perpetúan desde los tiempos de matusalén, no sea que se les vaya a acabar el chollo. Y decir que el cine en España es una industria con superávit, es decir, al Estado no le produce un gasto sino que supone un incremento de riqueza al conjunto de la nación, a pesar de todas las trabas con las que se encuentra la industria. Allá cada uno con sus idearios.

Y dejando atrás el adoctrinamiento de la semana, esta vez me gustaría hablar de cinco tipos a los que lo único que les gusta de la música es la música. Me explico. A la gente le mola demasiado saber que Michael Jackson dormía en cámaras de aire o que los Blur no tocaban en un escenario si en el hotel no tenían un juego de Lego y barra libre de huevos Kinder. En The Moody Blues las excentricidades siempre estuvieron aparte.

En su haber cuentan con más de 25 años de actividad, decenas de discos de oro y platino y una popularidad sin fronteras, algo que no era fácil en la época de los sesenta, dominada por los Beatles.

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Pero empecemos por el principio, mayo de 1964, Birmingham, Inglaterra. La historia comienza con pequeñas bandas de adolescentes que se rompen y se crean, con diferentes figurantes, que finalmente llegan a la bahía con cinco integrantes: Michael Pinder y Ray Thomas(de Krew Cats en un principio), Danny Laine, Graeme Edge y Clint Warwick. ¿Y de donde demonios salió la idea del nombre? Pues se esperaba que la cervecería M&B les patrocinara y por ello en un principio fueron los MB’s (¡qué originales!) y además se aprecia una sutil referencia a la canción de Duke Ellington “Mood Indigo”. Ya se sabe, MB-MOOD B-MOODY BLUES. Lógica kantiana.

Con Denny Laine en su formación y temas como “Go Now”, “Let me Go”, “He can win” o “And my baby’s gone” dieron comienzo a su carrera respaldados por la discográfica Decca (aun arrepentida de no haber firmado con los Beatles) e interpretando R&B. Pero del de verdad, sonido Motown o Stax. No el soul pachangas actual, que aun no alcanzo a entender por qué le llaman así. Prosigamos.

A pesar de que ese “Go now” se convirtió en un éxito rotundo, la estabilidad en el grupo aun era una utopía. Los siguientes singles fueron totalmente ignorados por el público y la crítica, aun siendo felicitados públicamente por Paul McCartney, declarado admirador de la agrupación y firme defensor de su sonido. En palabras del propio Edge: “Por ironía de la suerte nuestro primer éxito nos creó problemas que no teníamos al principio de nuestra carrera. Después de ‘Go now’ nos preguntábamos porqué todos nuestros esfuerzos no surtían ningún efecto

Enlace a “Go now”: https://www.youtube.com/watch?v=h42kzEA9l8Q

Y así dieron paso a una etapa de los moody algo confusa: hicieron una gira acompañando a los Beatles, se trasladaron a Bélgica y comenzaron a tocar mucho por Alemania y Francia. El resultado de todos estos cambios fue su primer disco “The magnificent moodies”(1965), desaliñado y 100% R&B. Cuando repasemos los sonidos por los que se los conoce actualmente veremos que nada tiene que ver esta primera etapa con el prog sinfónico que los llevó a lo más alto. Entiendo este disco como algo embrionario de temas con olor a caldo de cultivo, con inteligentes covers de gusto exquisito de James Brown, los hermanos Gershwin y otras canciones propias que parecían estar inacabadas. Quizás como una metáfora de la situación que atravesaba la formación en aquellos años. Alcanzó el nº 5 en las listas de New Musical Express, sin embargo el álbum fue totalmente ignorado en los Estados Unidos.

Enlace a álbum “The magnificent moodies”:https://www.youtube.com/watch?

Una secuencia de singles sin éxito similares consiguieron que tanto Denny Laine como Clint Warwick desertaran. Fin del partido. Sin embargo la llegada de Justin Hayward y el retorno de John Lodge hicieron que el sonido de los moody se reconstruyera por completo para 1967. La banda se dio cuenta de que su estilo de covers de blues americano no funcionaba y decidieron que desde ese momento en adelante, solo trabajarían con su propio material.

Su nuevo estilo sinfónico fue introducido por primera vez en la canción de Pinder “Love and beauty”, que se publicó como single junto con “Leave this man alone”, algo más rockero, en septiembre de 1967. No fue un éxito en el Reino Unido, pero estableció su nueva identidad. La flauta de Ray Thomas ya había destacado en “I’ve got a dream”, en su álbum de debut, sin embargo se convirtió en un instrumento mucho más destacado a partir de este momento, en el que empezaron a incorporar distintas influencias psicodélicas y que se desarrolló posteriormente en un álbum conceptual que gira alrededor de un día arquetípico en la vida de cada hombre.

Enlace a “Leave this man alone”: https://www.youtube.com/watch?v=Vu

Los que partían el bacalao, inicialmente se mostraron escépticos acerca del estilo híbrido que el álbum conceptual “Days of Future Passed”(1967) llevaba por bandera, pero pronto se convirtió en uno de los álbumes pop-rock más exitosos del periodo, ganando innumerables galardones, entre ellos, fue considerado como el número 3 en las listas Bill board de EEUU. 

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El álbum es un ciclo de canciones o una composición conceptual que tiene lugar en el transcurso de un único día y cuyos arreglos se inspiran la instrumentación clásica pionera de The Beatles. La cara A está formada por “The day begins” (Comienza el día), “Dawn”(Amanecer), “The morning” (La mañana) y “Lunch break” (Pausa para la comida); y la cara B por “The afternoon” (Después del medio día), “Evening” (Tarde) y “The night” (La noche). Los resultados dieron la razón a los músicos: “Days of future passed” es uno de los primeros grandes “álbumes-concepto” que abrió nuevos caminos a la música rock experimental inglesa. En el transcurso de pocos años también Deep Purple (“Concerto for group and orchestra”, 1970) y Procol Harum (“With the Edmonton Symphony Orchestra”, 1972) siguieron esos caminos.

Los moodies ascendieron a alturas muy elevadas usando la “London Festival Orchestra” pero que no os engañen con trucos para sonar impresionantes. Es simplemente una afiliación de los músicos clásicos de Decca, dados un nombre ficticio, que agrega el término “Londres” para sonar ampuloso y proporcionar una especie de cuerda que ligue la orquesta a las canciones ya escritas y ejecutadas por la banda, además del respaldo de los poemas de Graeme Edge que abren y cierran el álbum recitados por Pinder. El rock sinfónico y los arreglos orquestales definieron al disco, pero lo que marcó el nuevo sonido de la banda fue el uso del mellotron por parte de Mike Pinder. Hayward no dudó al reconocer su importancia: “Mike y el mellotron hacen que mis canciones funcionen”. Mellotron “parriba y pabajo” pero ¿qué demonios es eso? Pues fue uno de los primeros teclados eléctricos y puede considerarse como el antecedente directo del sampler, ya que utiliza loops de cinta para crear sonidos.

De todas las canciones que contenía el disco, la que mejor funcionó fue la que correspondía con el fragmento dedicado a la noche. Tiempo atrás, un amigo de Hayward le hizo un regalo que le sirvió de inspiración para la canción: unas sábanas de satén. Quizá fuera un regalo raro, pero esas sábanas de blanco satén sirvieron como parte del título de la canción. Aunque ‘Night in white satin’ dio mucha popularidad a los Moody Blues, Justin Hayward compuso el tema varios años antes: “Escribí nuestra canción más famosa, ‘Nights in white satin’, cuando tenía 19 años. Era una serie de pensamientos aleatorios y fue un poco autobiográfica. Me encontraba en muy momento muy sensible, estaba terminando una historia de amor y empezando otra. Mucho de eso se reflejó en la canción”.

Enlace a “Nights in white satin”: https://www.youtube.com/watch?v=9muzyOd4Lh8

Con la sucesión de imágenes cinematográficas de la letra no es de extrañar imaginar una escena iluminada únicamente por la luna. Pero si los versos de Hayward resultaban evocadores era gracias a la atmósfera creada entre el mellotron y la flauta de Ray Thomas. ‘Night in white satin’ cerraba el álbum “Days of future passed”. La parte final estaba acompañada del poema “Late lament”. Los cinco últimos versos eran los mismos que los cinco primeros del poema “Morning glory”, que completaba el primer tema del álbum, ‘The day begins’, lo que hacía que el álbum fuera redondo, un ciclo que se cerraba con la elegancia que caracterizaba a la banda. Como ‘Night in white satin’ era la conclusión de la historia, el disco terminaba con el sonido de un gong que representaba la caída en el sueño. Justin Hayward reconoció la importancia que el tema supuso para la banda: “Fue la canción, junto con ‘Tuesday afternoon’, que nos definió a nosotros y a nuestro sonido. Nos dio un estilo único. Eso sigue siendo importante para los grupos de hoy en día, definir claramente su propio estilo y sonido. ‘Go now’ fue una versión. Cuando empezamos a hacer nuestro propio material fue cuando realmente nos convertimos en los Moody Blues”.

No obstante, ‘Nights in white satin’ resultaba un tema arriesgado por ser lento y largo. Para la versión del single tuvo que ser acortado, quedándose en 4 minutos. Lo más gracioso de todo es que aquello que a priori podía echar al oyente para atrás, se convirtió en una bendición. Dicen las malas lenguas que una noche, un locutor de Seattle quería hacer un descanso y salir a fumarse el pitillo, por lo que cogió el disco más largo que tenía a mano. Así que mientras aquel locutor fumaba ajeno, sus oyentes quedaron fascinados por ‘Night in white satin’ y los Moody Blues se extendieron como lo hace la noche.

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“In the search of the lost chord” (1968), con sonidos de mellotron, prorrogó el sonido psicodélico, lírico y conceptual de esta nueva etapa y prosiguió incrementando su audiencia internacional, tanto en sus actuaciones en vivo como en la venta de sus vinilos, que en el Reino Unido le llevaron al número 5. Entre los temas más laureados se encontraban los singles “Voices in the sky” y “Ride my See-Saw”.

Enlace a “Ride my see-saw”: https://www.youtube.com/watch?v=Iss9xKyqAeA

“The best way to travel” fue otro punto culminante, al igual que su canción final “Om”. Graeme Edge encontró un importante papel secundario en la banda como escritor de poesía y algunos de sus primeros álbumes de finales de los 60 comienzan con varios miembros de la banda recitando poemas de Edge que estaban conceptualmente relacionados con las letras de las canciones que vendrían a continuación.

“Speeding through the universe
Thinking is the best way to travel…”

Enlace a “The best way to travel”: https://www.youtube.com/watch?v=ZoYbGPO_KKs

“On the threshold of a dream”(1969) fue el primer álbum que los Moody Blues tuvieron la oportunidad de grabar y preparar en una situación de relativa calma, sin hacer malabares con los horarios de las giras ni robando tiempo en el estudio entre conciertos. Habían aprendido mucho durante el concierto del año anterior y es por eso que este álbum rezuma brillantez, siendo creativo en dos direcciones aparentemente contradictorias que de alguna manera se unen como un todo válido.

Es un disco bastante duro, considerando la cantidad de “overdubbing” (joder, soy toda una experta) que se destinó a perfeccionar las canciones, incluyendo violonchelos, instrumentos de viento y un montón de capas vocales. Sin embargo, también se encontró espacio para mostrar un alma pop-soul en canciones como “So Deep Within you”.

Justin Hayward deliberadamente arcaico, presentaba”Are You Sitting Comfortable?”, una pieza que suena 400 años ubicado fuera de su tiempo, evoca imágenes de la historia medieval y del Renacimiento junto con la magia y el misticismo, todo contenido en la guitarra acústica de Hayward y la flauta de Thomas y, como no, aparece una vez más con la firma poética de Graeme Edge “The Dream”, acompañado por Mike Pinder, mientras que las observaciones irónicas de Thomas en “Dear Diary” y “Lazy Day” fueron llamativas y una de las grandes genialidades que tienen firma moody. El querido diario describe el típico día de un hombre solitario, que se lamenta de que nadie se fija en gente como él y cuya única fuente de comunicación es su diario.

Enlace a “Are you sitting comfortably?”: https://www.youtube.com/watch?v=vDVqQzsJg3s

Enlace a “The diary”: https://www.youtube.com/watch?v=ItM9qqGAXjM

Esta mezcla de psicodelia y música clásica, incluyendo una parte con Pinder en piano de cola, puede sonar exagerada y pretenciosa hoy, pero en 1969 se trataba de una música que desbordaba los géneros, ampliando los límites establecidos en un territorio desconocido y si se sobrepasaron, así lo hizo mucha gente de la época, incluyendo a Jimi Hendrix, The Doors, The Who,…unos cuantos tipos sin importancia, vaya.

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Si en el primer album, la idea fue musicalizar un día completo en la vida de una persona, y en el segundo, hacer un viaje hacia la realización espiritual y en busca del acorde perdido, para este tercer album, el concepto giraba alrededor de los sueños, y su exploración. En una entrevista incluida en el cuadernillo que viene con el CD, John Lodge señaló: “Después del éxito de ‘In the search of the chord’, supimos que no había marcha atrás. Sabíamos que había bastante gente que realmente quería escuchar la música de los Moody Blues y eso nos dio energía para decir, ‘escucha, estamos en el umbral de algo’, lo cual era por supuesto, todos nuestros sueños de tener este éxito –no tanto monetario sino el éxito de nuestra música. Habíamos estado tocando por largo tiempo en ese estado y ahora era aceptado. Pero habíamos llegado a un lugar con ‘On the threshold of a dream’. No sabíamos donde y allí es donde el título vino”. Asimismo, Justin Hayward comentó: “Quisimos recolectar influencias religiosas y psicodélicas dentro de un album y transformarlas en un camino hacia la iluminación espiritual. Se que suena terriblemente pretencioso ahora, pero como jóvenes, eso era lo que estábamos buscando –siempre nos hemos visto como buscadores”.

Y la música de nuestros chicos continuó haciéndose más y más compleja y sinfónica, con una gran reverberación en las pistas vocales, lo que resultó en “To Our Children’s Children’s Children” (1969), un album conceptual inspirado en el primer aterrizaje lunar. A decir verdad, con este trabajo sobran las palabras. Comenzando con “Higher and higher”, Pinder simula una explosión del cohete al teclado y con ese pistoletazo de salida, el álbum no hace más que crecer y crecer. “Floating” y “Eternity Road” destacan, pero es un álbum para escuchar de seguido, sin cortes.

Enlace a “Eternity Road”: https://www.youtube.com/watch?v=PY8RCe3QKQ8

Aunque los Moodies ya habían definido un estilo algo psicodélico y ayudado a definir el sonido de rock progresivo, el grupo decidió grabar un álbum que se podía tocar en concierto, perdiendo parte de su sonido con “A question of balance”(1970). Este álbum, alcanzando No 3 en las listas americanas y No 1 en las británicas, era indicativo del éxito creciente  en América.

Escuchando de nuevo este disco se aprecia muy claramente que los moodies se alejaron de todo lo que hacían hasta 1970: no mas suites, álbumes conceptuales menos obvios y poesía menos recitada. Quizás retrocedieron un poco en su concepto de rock prog y dejaron que otros saltasen a la piscina, muchos de ellos estando vacía.

Era una buena elección: era una banda reconociendo sus límites y sabiendo lo que podía y no podía hacer. Y a pesar de todo, no creo que un paso atrás deba verse como un fracaso. De hecho, la relajación de su ambición les permitió concentrarse en lo que realmente se les daba bien. No más, pero tampoco menos.

Si escuchamos “Minstrel’s Song”, del lado B del disco,  nos encontramos con la naturaleza psicodélico-corista de la banda que rítmicamente se construye en el marco de “Baby you’re a rich man” de los Beatles: la misma guitarra rítmica, el tambor…hasta ahora todo bien, pero en lugar de volverse algo raro como hacen los de Liverpool, los moodies se vuelven guays. ¿Guays he dicho en un blog de música? De verdad, el carnet de WordPress lo regalan en la tómbola.  Los colores instrumentales, las maneras de hacer que un puente se relacione con un verso, los equilibrios entre la voz solista y las corales. Y por supuesto, muy buen gusto tocando y cantando todo. Es profesional, es lo que es: y supongo que eso es lo que quiero decir cuando hablo de “pop”. Esta no es la música de artistas desesperados que tratan de tener un espacio para sonar en cualquier radio del tres al cuarto: es el trabajo de unos tipos artesanos que saben lo que agradará a su público, así como a sí mismos.

Enlace a “Minstrel’s Song”: https://www.youtube.com/watch?v=7NtGQESqBLg

“Questions”, la pista que da nombre al álbum parcialmente, es pura felicidad en FM. Un rockero galopante incrustado en medio de una joya de balada escrita por Justin. Un himno que sabe que es un himno, pero que funciona igualmente. Y funciona porque todas las partes están tan bien hechas…desde el rasgueo de la guitarra acústica a la llamada y respuesta del mellotron, desde el solo de bajo bailable hasta la pieza de batería que haría a Keith Moon estar orgulloso.

Traducción de Question

¿ Por qué nunca obtenemos respuesta
Cuando llamamos a la puerta
Con mil millones de preguntas
Sobre el odio y la muerte y la guerra ?
Pues cuando nos detenemos y miramos alrededor,
No hay nada que necesitemos,
En un mundo de persecución que se quema en su codicia.

¿ Por qué nunca obtenemos respuesta
Cuando llamamos a la puerta ?
Por que la verdad es difícil de tragar
Eso es para lo que está la guerra del amor.
 
No es la forma en que lo dices
Cuando me haces esas cosas
Es más la manera en la que lo quieres decir
Cuando me cuentas lo que será.
Y cuando paras y piensas en ello
No creerás que sea verdad
Que todo el amor que has estado dando
Ha sido destinado para ti.
 
Estoy buscando a alguien para cambiar mi vida,
Estoy buscando un milagro en mi vida,
Y si supieses lo que se me ha hecho,
Para perder el amor que conocía,
Podrías guiarme sin peligro desde el principio al fin.
 
Entre el silencio de las montañas,
Y el estruendo del mar,
Se extiende un país en el que un día viví,
Y ella está allí esperando por mí,
Pero en la penumbra de la mañana,
Mi ánimo se vuelve confuso,
Entre los muertos y el sueño,
Y el camino que debo elegir.
 
Estoy buscando a alguien para cambiar mi vida,
Estoy buscando un milagro en mi vida,
Y si supieses lo que se me ha hecho,
Para perder el amor que conocí,
Podrías guiarme sin peligro hacia,
El país que una vez conocí,
Para aprender mientras envejecemos
Los secretos de nuestra alma.
No es la forma en que lo dices
Cuando me haces esas cosas
Es más la manera en la que realmente lo quieres decir
Cuando me cuentas lo que será.

Enlace a “Questions”: https://www.youtube.com/watch?v=l2lIbp1XYpM

“And The Tide Rushes In” es una balada filosófica, casi una canción de mar, de Ray Thomas. Quizás su mejor canción, completamente mainstream, y completamente perfecta. Trabajo de guitarra que suena demasiado bueno para venir de una banda de rock – como si saliera de la banda sonora de Camelot.

“Every Good Boy Deserves Favour”(1971), es el sexto de los 7 álbumes que crearon en conjunto y quizás el más olvidado. Sin embargo, es en el que logran el punto máximo de expresión. Aunque no cuentan con ninguna orquesta, los arreglos son increíbles, tanto instrumentales como corales, siendo los últimos los mejores que han hecho en su carrera. Además, es el disco en que han logrado la mayor variedad de estilos en los temas, teniendo cada uno un sonido muy propio y diferente al de los demás. Crea una magia que le hace sonar enorme y poderoso.

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“Procession”, es la  única canción del álbum escrita por todos los miembros de la banda juntos y en ella se intenta mostrar la evolución de la música. Empieza con un teclado muy bizarro, creando unos sonidos muy espaciales, quizás intentado simular los sonidos de la naturaleza. De repente, los integrantes de la banda empiezan a gritar sobre un fondo de viento las siguientes palabras: “Desolation”, “Creation” y “Communication”. Continua con unos tambores, mientras que la banda hace un canto rollo tribu muy chunga. Luego una música oriental, seguido de algo que suena bastante celta; luego un toquecito de medieval; siguiendo con barroco; continuando algo clásico. Finalmente llega al Rock, dando a los primeros acordes del tema que abre el ritmo del álbum. Sí, amigos, y todo ello en 4:41 que dura la canción. Estos moodies estaban bastante locos, por si no os habíais dado cuenta, pero no me podéis negar que sabían lo que hacían.

“The Story in Your Eyes” es un tema algo desesperante, casi de escape de la realidad. En esta canción ya se pueden empezar a notar los excelentes arreglos. Tenemos por un lado los cantos que hacen coros mientras Hayward hace el estribillo de la canción. Por otro lado tenemos un piano que pasa de lo clásico a lo rock a lo largo del tema. Juzgad por vosotros mismos. Pero…top.

Enlace a “The story in your eyes”: https://www.youtube.com/watch?v=t-iJ47in9YQ

Sin duda, la canción más deslumbrante, aventurera, desafiante y compleja del disco es “My song”. Es, en pocas palabras, un viaje. Aquí pasamos por varios estilos musicales. Pero es increíble la homogeneidad que consiguen llegando a alcanzar una verdadera historia de ciencia ficción. En un momento la voz se calla, mientras que la guitarra hace un solo muy simple. Luego el piano hace una subida que suena casi como una subida de arpa y de repente un teclado con un toque a orquesta hace un fuerte acorde. Extrañamente todo se detiene y queda susurrando un sonido parecido al del viento, mientras que una voz respira y un vibráfono hace una melodía muy aguda y de poco volumen. Luego de a poco, el vibráfono y una flauta hacen una melodía que va creciendo de a poco. Luego, coros celestiales se van uniendo. Todo indica que algo poderoso se viene. De la nada, la guitarra distorsionada, una batería fuerte y los demás instrumentos arrancan un ritmo fuerte que hace imaginarse que una bestia gigante esta a punto de ser liberada. Y finalmente llega. Todo explota con un riff muy poderoso y espeluznante, mientras que las voces hacen un canto de desesperación y pérdida. Se puede sentir cómo esta bestia va destruyendo todo a su paso y todo a su alrededor cae en llamas. Finalmente, todo vuelve a tranquilizarse y vuelve a repetirse el comienzo. Sin duda una composición extremadamente compleja y llena de imaginación.

Enlace a “My song”: https://www.youtube.com/watch?v=jV2q9qrnW7U

Las sesiones de grabación de “Seventh Sojourn”(1972) marcaron la salida de un pilar muy importante de los Moodies. Sin embargo, la ausencia pasó completamente desapercibida. Era el mellotron de Mike Pinder. Para “Seventh Sojourn” Pinder sustituyó su ya famoso instrumento por un Chamberlain. Aunque similar en el diseño, el Chamberlain demostró ser un teclado más favorable de cara al estudio pues conservaba su sonido orquestal exuberante mientras disminuía la carga de trabajo. Este fue el primer álbum del grupo que alcanzó el número 1 en los EEUU, pasando cinco semanas en lo alto del Billboard 200.

Las letras son un reflejo políticamente cargado de la dura realidad y tiempos turbulentos templados con sabiduría filosófica y optimismo utópico. Ya fuera exaltando los horrores de la guerra y la revolución como en la canción que abre el disco,”Lost In A Lost World”, o mostrando el encarcelamiento psicológico y la difícil situación de su amigo, el gurú del LSD Timothy Leary en la canción “When you are a free man”.

El estilo de Rock orquestal, romántico y melodioso continúa generando dividendos con piezas más ambiciosas como “Isn’t life Strange” y “New Horizons”.

“Each day passes by

How hard man will try?

The sea will not wait

You know it makes me want to cry, cry, cry …”

La primera me toca especialmente, precisamente porque me parece que la entiendo muy bien. Va sobre cuando estás en tu habitación sentado en la silla en la que tanto te has lamentado de tener que estudiar el tema 6 en una tarde y analizas tu vida encontrando que algunas cosas siempre parecen iguales. Y entonces te preguntas si puedes esperar que no sea así. Mucha gente solo piensa eso, porque la vida continúa y en teoría debería mejorar ¿no? pero algo tienes que poner para hacerla mejor. Además, también va sobre cuando estás ante una realidad pero lo que está sucediendo es totalmente diferente. Realmente, “¿no es extraña la vida…?”

Enlace a “Isn’t life strange?”: https://www.youtube.com/watch?v=9WZZjXgJ4W8

Pasando por otras piezas de mérito, el grupo se da el lujo de cerrar con el clásico  “I´m Just A Singer In A Rock And Roll Band” de corte más rockero.

En la primavera de 1974, después de completar una gira mundial que culminó con una gira por Asia, el grupo tomó un descanso prolongado, “debido a que los otros miembros de la banda se sentían exhaustos y eclipsados“, según Hayward. Además, la exagerada adoración de los fans perturbó profundamente a los miembros de la banda que también estaban sintiendo la tensión de tratar de dirigir su propia discográfica. ¿Y qué pasó luego? Pues lo que suele pasar…lanzaron un disco recopilatorio para salvar los muebles y cada uno por su lado emprendieron sus proyectos alejados del grupo.

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En 1977, decidieron volver a grabar juntos pero todo fue un desastre. Un incendio, lluvias torrenciales y una familia deseando cariño fueron algunos de los problemas con los que se toparon los moodies para sacar el “Octave”(1978), dando como resultado la ausencia de Mike Pinder. Durante este período, la banda de prog-rock Yes había pedido a su teclista, Patrick Moraz, que se fuera. Moraz tuvo algunas charlas con los Moodies, y después de una exitosa audición con la banda en Inglaterra en 1978, fue contratado como teclista para el Octave World Tour. A pesar de todas estas dificultades, el álbum se vendió bastante bien y produjo los éxitos “Steppin ‘in a Slide Zone” y “Driftwood”.

Escuchar “Driftwood” es una verdadera delicia para el oído. Su melodía es suave y llena de puro sentimiento, mientras que la interpretación de Justin  es impecable, y lo que adorna de manera deliciosa la canción es la parte del saxo al final, que es una desconexión para el alma y la mente que supone el sirope de chocolate de estas tortitas psicodélicas.

“Time waits for no one at all

No, not even you…”

Enlace a “Driftwood”: https://www.youtube.com/watch?v=HIZxrAbjuC0

En las siguientes décadas The Moody Blues grabaron trabajos en estudio como “Long distance voyager” (1981) y “The Present” (1983), el último trabajo que se conoce del grupo fue el December(2003), ya sin la participación de Ray Thomas.

No os voy a engañar, me ha costado muchísimo contener en una única entrada la gran obra que The Moody Blues nos ha dejado en una carrera tan longeva como la suya. Pero está bien, porque realmente merece la pena que un chico de 16 años, de pasada, se tope con este blog y le entre la curiosidad de escuchar por unos minutos “Question” o “Driftwood”. No busco congratularme ni que lo hagan otros. Simplemente pienso firmemente que la música es un patrimonio que todos deberíamos compartir y, qué demonios, ¡si el reguetton inunda las discotecas, que el prog-rock inunde los blogs! ¡Que somos gente guapa los bloggers!

Gracias, una semana más. Pronto me tendréis de vuelta.

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